Bom retiro 958m - Teatro da Vertigem - SP
Direção de Antonio Araújo
Um guia de entretenimento
de São Paulo em março de 2012 registra mais de 50 espetáculos
teatrais na cidade.
Se nos detivermos no perfil de cada um, veremos que a maioria
transgride, mais ou menos radicalmente, a estrutura dramática
consagrada. Assim, notamos a utilização de recursos tais como
ausência de uma história facilmente reproduzível;
simultaneidade
ou fragmentação de cenas/situações; paralelismo e assincronia das
falas, emissão de texto que foge à troca dialógica, ou um diálogo
que parece conversa; trânsito por diferentes tempos e lugares;
interlocução com a dança, a música, o cinema, as tecnologias;
indefinição, indeterminação ou inexistência de personagens;
participação mais concreta do espectador, motivada pela disposição
da plateia, pela movimentação no espaço ou pela interação com a
cena; o
caráter de experiência, de evento ou comunhão, de
“presentificação” mais que de representação, e
tantos outros. Isso tudo desenvolvido, em grande parte, por coletivos
de criação – fator determinante para a liberdade de pesquisa,
pelo não atrelamento às exigências de um mercado que supõe o que
vai atrair ou não público e prestígio.
O que temos notado, porém,
é que mesmo com o aumento de trabalhos que fogem a uma estrutura
dramática conhecida - e reforçada pelas novelas e pelo (melo)drama
cinematográfico – permanece certa resistência a tais iniciativas.
Reações semelhantes às que encontramos em certas exposições de
artes visuais são hoje recorrentes no teatro, mesmo por parte de
colegas: “isso não é arte”, “isso não quer dizer nada”,
“faz-se qualquer bobagem e vira arte contemporânea”. Digamos
que “teatro contemporâneo” é, para grande parte do público, a
definição de um tipo de espetáculo complicado, que não somos
capazes de “decifrar” e que, em geral, não diverte. Isso não
deixa de ter um fundo de verdade: o “contemporâneo” oferece
mesmo alguns obstáculos e cabe a nós, artistas e pesquisadores,
oferecer condições para que eles sejam ultrapassados pelo público.
O
filósofo italiano Giorgio Agamben
sugere
algumas imagens para se referir ao termo “contemporâneo” que
podem ajudar nossa reflexão. Fala primeiramente da intempestividade,
retomando Nietzsche, que em 1874 publicou Considerações
intempestivas,
cujo objetivo era “acertar as contas com o seu tempo, tomar posição
em relação ao presente.”
“Intempestivo” traz um sentido de inadequação, de algo que não
é próprio ou característico do tempo em que ocorre. Portanto, para
Nietzsche – e para Agamben – é verdadeiramente contemporâneo
aquele que é extemporâneo,
que não está perfeitamente ajustado com o tempo presente e, por
isso mesmo, é capaz de percebê-lo e apreendê-lo mais do que
qualquer outro.
É como se o fato de se estar completamente mergulhado no presente e
em tudo o que isso implica – permanente atualização - nos tirasse
a capacidade de nos posicionarmos frente a ele. Só o conhecemos
verdadeiramente quanto dele nos afastamos e sobre ele formulamos
nosso pensamento.
Agamben
utiliza também a imagem das trevas
do presente.
Sugere que se olhe o escuro do próprio tempo e não suas luzes para
se identificar o contemporâneo, afinal “todos os tempos são,
para quem deles experimenta a contemporaneidade, obscuros”. É
contemporâneo quem é capaz de mergulhar nessas trevas e criar daí
a sua obra.
É isso: afastarmo-nos do presente a fim de buscarmos o que há de
escuro nele, porque as luzes são o aparente, o óbvio e, por isso, o
que é mais fácil de identificar. Portanto, mais do que preconceito
ou ignorância, aqueles comentários acerca do teatro contemporâneo
revelam que estamos, muitas vezes, identificando a luz, o aparente da
obra. E que talvez, para uma melhor fruição, precisemos aprender a
identificar o que a obra não revela. Isso se faz, a nosso ver,
colocando-nos diante dela sem as lanternas que trazemos sempre
conosco: nossas referências e preferências, verdades, certezas,
nosso modo de ver, nossos critérios e julgamentos. Mergulhar os
olhos nas trevas que a obra nos propõe, aceitando a vertigem, o
desconforto, o desequilíbrio, a insegurança e, aos poucos, deixar
que ela mesma nos mostre o que traz oculto.
Sabemos
o quanto há de relativo nessa proposição. O sucesso maior ou menor
desse mergulho vai depender da predisposição do espectador e de sua
formação, da mediação com a obra, do exercício e sua frequência
etc. Trata-se, porém, de uma prática necessária em relação à
arte contemporânea.
A
nosso ver existem três caminhos principais e coligados para que o
contato com o teatro não convencional se torne uma prática menos
dolorosa e mais efetiva. Um deles é a abertura do processo criativo
ao espectador e a desmistificação do fazer artístico. Grande parte
das vezes obra e processo são indissociáveis. Pensamos que uma
formação de público só se efetiva com o compartilhamento da
criação, pois quando se conhecem as bases, as inquietações e
propostas que movem o trabalho, as referências práticas e teóricas
do grupo, por exemplo, pode-se chegar a uma compreensão maior do
resultado.
Paralelamente, os Festivais e Mostras tem papel fundamental na oferta
de uma diversidade de produções, cursos e seminários com vistas à
ampliação de referências e à reflexão, tanto por parte dos
artistas quanto do público em geral. E aliamos a essas duas vias a
constante reflexão teórica e sua divulgação em publicações
especializadas e meios acessíveis ao espectador em geral – a
internet tem sido grande aliada nesse sentido.
Quem sabe, numa ação
conjunta entre artistas, organizadores de eventos e pesquisadores
possamos conquistar cada vez mais espectadores que fruam, destemida e
apropriadamente, de um teatro não convencional.
Adélia Nicolete
